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hoja de sala I Centenario Instituto Español de Oceanografía
JARDINES DE CECILIO RODRÍGUEZ
10 de junio 2014

Artistas presentes en la colección IEO. Miquel Barceló, Sebastián Beyro, José Castiella, Joan Fontcuberta, Pablo Genovés,
Santiago Giralda, Enrique Gran, Antonio Mesones, Eduardo Nave, Teresa Solar.
Comisariado Técnico: Flavia Introzzi · Apoyo Comisaria Técnica: Miryam Aguirre · Coordinador: José Luis Ossorno Almécija
Introducción a la selección de obras.
Las obras adquiridas para formar parte de la Colección del Centenario del Instituto Español de Oceanografía toman como punto de
referencia la temática marina, la importancia de la labor científica en el estudio de los mares y su condición de generador de vida. Las
obras de diez artistas españoles, o residentes en el estado español, han sido seleccionadas teniendo en cuenta tanto la trayectoria y el
reconocimiento artístico de los creadores, como el interés intrínseco de sus trabajos. En la colección, jóvenes artistas con promisorias
carreras y artistas de consagrada trayectoria internacional, plantean una visión personal y única sobre el universo marino, sus significados
y asociaciones.
Miquel Barceló (Mallorca, 1957)· Lanzarote 41, 2002.
Es uno de los artistas españoles de mayor proyección internacional, ha recibido el Premio Nacional de las Artes en 1986, ha sido también
galardonado con Premio Príncipe de Asturias de las Artes en 2003 y recientemente el Premio Nacional de Artes Gráficas. Su obra expresa
un notable interés por los motivos precedentes de la naturaleza, tratados desde una paleta densa, espesa, y generalmente oscura, que ha
ejercido una gran influencia. Su personal universo tiene como elementos recurrentes la visión del mundo como una vorágine, y la obsesión
por plasmar y revindicar la presencia de lo orgánico en todas sus formas. Lanzarote, es una serie realizada en y con motivo de una estancia
prolongada en la isla, un espacio geográfico profundamente condicionado por su entorno marino. Esto y todo lo que deriva de ello es
representado en toda su magnitud en estas piezas de Barceló. El procedimiento creativo de sus grabados es similar al utilizado en su
producción pictórica, donde el contacto directo y experimental con la materia (barnices, colas, soportes) es protagonista.
Sebastián Beyró (Buenos Aires, 1973)· Gibraltar Core 14, 2014.
La obra del artista argentino se relaciona estrechamente con las expediciones científicas y las exploraciones de los aventureros. La serie
de esculturas Ice Core hace referencia a los cortes de terrenos que sirven a los geólogos para examinar distintos extractos o cortezas.
Destaca en su obra el proceso que utiliza, en estrecha relación con los materiales. Su materia prima es la escayola, la cual utiliza de forma
líquida (agua salada), en polvo (nieve) y solida o fraguada (hielos). Combina el material y luego lo erosiona consiguiendo texturas y
formas que se asemejan a las secciones geológicas. En la actualidad, el artista residente en Madrid desde 1996, trabaja en la investigación
de técnicas artísticas y su desarrollo en el mundo del arte a la vez que aplica estos conocimientos en la reproducción de facsímiles,
realizando proyectos para el Vaticano, el Museo del Prado, entre otros. Su obra ha sido expuesta en Madrid, Barcelona, Sevilla, Gerona,
San Sebastián, México D.F y Bs As, entre otras ciudades.
José Castiella (Pamplona, 1987)· Renkoner, 2014.
Su obra se caracteriza por integrar la gramática abstracta de la pintura en escenarios de ficción figurativa como si la viscosidad plástica
del óleo fuese un personaje con vida propia. Bajo la influencia estética del cómic y del cine, Castiella considera la pintura como un
organismo vivo que se manifiesta en distintas hibridaciones, a veces como monstruo, fuente de luz, materia fantasma, líquido
inteligente. El resultado son unos personajes “bajo la corporalidad expansiva de la mancha” que, como la ciencia-ficción, sólo existen en
la posibilidad de un imaginario concreto. Su trabajo ha sido galardonado con los premios Zona de Arte Joven (2013), Jóvenes artistas de
Navarra (2010), Expresarte Bienal, Universidad de Navarra (2008); su obra ha sido seleccionada en Getxo Arte (Edición 2008, 2009) y
en 2010 en la Real Academia de San Quirce, Segovia. Actualmente vive en Londres donde realiza un posgrado MFA en el Fine Arts de
Goldsmith.
Joan Fontcuberta (Barcelona, 1955)· Googelgrama 45: Taxonomía, 2007.
Fontcuberta es el fotógrafo español de mayor reconocimiento internacional, cuya trayectoria ha sido recientemente coronada con el
gran premio Hasselblad (2013), considerado el nobel de esta especialidad. Creador de un universo propio en el que la verdad y la
mentira están separadas por una línea muy fina, en su obra nada es lo que parece ser y el espectador cree ver lo que no existe. Hacer
dudar e, incluso, engañar al espectador es uno de sus juegos preferidos. Fontcuberta lleva años cuestionando el papel de los medios de
comunicación y la investigación científica. Es precisamente en la serie Googelgramas (2005-2007) en la que a través de una imagen

principal compuesta por multitud de pequeñas imágenes, a modo de mosaico, el artista vuelve a jugar con el espectador inmiscuyendo
en su mente la fina línea que separa lo real y lo ficticio, lo verdadero y lo falso, la certeza y el azar. Lo que creemos ver y entendemos a
simple vista, en el fondo es solo una ilusión de lo que se esconde, descubriéndolo solo al acercarte y profundizar en la obra.
Pablo Genovés (Madrid, 1959)· Mar tendida, 2011.
El trabajo de Genovés configura territorios introspectivos, entre la evocación y el ensueño, a partir de la combinación de técnicas
digitales y elementos pictóricos rescatados de estampas antiguas; el resultado es un lenguaje híbrido a medio camino entre el collage y la
fotografía. En Mar tendida, la obra que forma parte de la colección del IEO, el mar, como un fenómeno natural de irrefrenable fuerza,
hace presencia en el espacio interior de una biblioteca, lugar simbólico del saber de nuestra cultura. Una metáfora del irrefrenable valor
de la naturaleza y de su poder potencial para terminar, purificar, o hacer renacer nuevos contextos y situaciones. Las piezas de Genovés
forman parte de importante colecciones como la del CAC de Málaga, la Fundación Coca-Cola, la Fundación Germán Sánchez Ruipérez,
el CGAC o las colecciones privadas de Pilar Citoler, Purificación García o Loewe.
Santiago Giralda (Madrid, 1980) · Iceberg, 2014.
Interesado por la representación y la alteración, Santiago Giralda concibe el lienzo como un campo de fuerzas con el que dialoga y en el
que construye sus tan personales y propios escenarios. Los objetos con los que trabaja son reales y reconocibles pero al ser incluidos en
el lienzo ceden su personalidad propia para desarrollarse como parte de un todo pictórico. Su método de trabajo es consciente de que la
imagen queda condicionada dependiendo de su manera de mostrarse, por ello utiliza una figuración muy directa y colorista, siempre
llena de caos y movimiento. En la obra producida exprofeso para el I Centenario del IEO, el artista ahonda en la imagen de las
montañas y su deshielo como fuentes de movimiento y de vida. Sus trabajos han sido expuestos en Alemania, Reino Unido, Estados
Unidos y España. Ha sido galardonado en numerosos certámenes, entre los que destacan, Generaciones de Caja Madrid, Circuitos de
Artes Plásticas Comunidad de Madrid, Premio Bancaja e Injuve. Su obra forma parte de las colecciones del Ministerio de Cultura, Banco
Santander, Caja de Murcia y Caja Madrid.
Enrique Gran (Santander 1928 - Madrid 1999)· Visiones del mar. Políptico, 1989.
Su obra se vincula directamente con el paisaje, pero con un paisajismo especial, aquel que surge del ojo realista para captar lo invisible.
La naturaleza es captada desde sus formas más originarias, aquellas que tienen que ver con su génesis; es por ello que mares, horizontes
y materias rocosas aparecen siempre en sus lienzos. La luz de su Norte natal se convierte asimismo en protagonista y hace que sus oleos
muestren una paleta llena de azules y verdes profundos. Enrique Gran participó en tres Bienales en Venecia, una en Alejandría, obtuvo
varios premios de relevancia como los de la Fundación Juan March, la Fundación cultural Castilla-La Mancha, el Colegio de España en
Roma o el Ayuntamiento de Santander. Su obra forma parte de las colecciones de la Fundación Eulalio Ferrer de México, Museo
Internacional de Arte Contemporáneo de Lanzarote, Museo Reina Sofía de Madrid, Museo de la Unesco de Nairobi, o el Storm King Art
Center de Nueva York.
Antonio Mesones (Santander, 1965)· S/T, 2012-2013.
En la obra de Antonio Mesones encontramos los elementos básicos de la pintura: la luz, el color, la composición, la relación entre
forma y fondo, la ilusión de la profundidad. El proceso se hace aún más evidente en sus pinceladas que muestran un gesto pausado,
repetitivo y meticuloso, el trabajo diario de superponer una capa de pintura sobre otra y de nuevo tapar esta con una nueva. El efecto
magnético que provoca el color y la composición recuerda muy de cerca el mar y las sensaciones que percibimos contemplándolo
dentro y fuera de sí mismo. Antonio Mesones es licenciado en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco y becado por la Fundación
Botín y la Institución holandesa Gerrit Rietveld Academie. Forma parte asimismo de Invaliden1, un colectivo de artistas, establecido en
la capital alemana “al amparo de la libertad creativa y la diversidad que abona y enriquece el terreno artístico actual de Berlín”.
Eduardo Nave (Valencia, 1976)· Mar (Valencia), 2013.
El compromiso acompaña cada uno de los proyectos del joven artista valenciano quien a través de sus fotografías pone de relieve, de
una forma muy sutil situaciones o hechos que es necesario mostrar, extrapolar de su anestesia cotidiana, para darles voz y situarlas de
nuevo en el centro de la atención. Tal es el caso de esta fotografía Mar (Valencia) en la que muestra cómo el contexto geográfico, y en
especial el ambiente marino, forman parte indisoluble de la vida humana y de su desarrollo. En este caso se aprecia la inmensidad del
mar frente a la pequeñez del hombre, que aparece en una luz azul, con un pequeño barco, realizando la tarea diaria que le permite
subsistir, la pesca. Nave ha recibido varios premios y becas entre los que destacan la beca del Colegio de España en París, beca de Artes
Plásticas de la Fundación Marcelino Botín y el Fujifilm Euro Press Photo Awards 2004, entre otros.
Teresa Solar Abboud (Madrid, 1985) · Doble Mordido. Liropus –Tomahawk, 2014.
El trabajo de Teresa Solar ha sido reconocido en diferentes convocatorias como el Premio Generaciones, Fundación Caja Madrid,
selección Premio de Artes Plásticas, Premio Tentaciones, Feria Estampa, Beca de producción en artes plásticas de la Comunidad de
Madrid, CDAN y el Premio de Arte Joven del Injuve, entre otros. Su trabajo se ha expuesto recientemente en la galería Formato
Cómodo (Madrid), el Centro de Arte Dos de Mayo, Matadero Madrid, en el Centre Pompidou de Paris y Museo Reina Sofía en el marco
del Festival Les Rencontres Internacionales. La pieza realizada exprofeso para el I Centenario del IEO, pertenece a la serie de trabajos
más recientes de la artista, Doble mordido, que consiste en collages realizados con fotografías tomadas por el vehículo submarino no
tripulado ROV Liropus combinadas con planchas de aluminio hechas a mano. El díptico, plantea un diálogo entre la ceguera a la que se
enfrenta constantemente la exploración submarina con la ceguera causada por destello abrupto y casi inexistente del flash fotográfico.
Sus obras se encuentran en las colecciones de arte contemporáneo de la Comunidad de Madrid (CA2M), Fundación Coca-Cola, DA2 de
Salamanca, Caja Madrid y CAM, entre otras.